咱们先别急着往死里念那些大道理，直接说个冷得掉渣的事实：你要是认认真真想搞个搞乐队，那大约率就是要在自己额头上刻个印。目前的“葫芦丝”不是那个只会哼哼唧唧、在路边乞讨卖艺的土财主，它早就进化成了能进三甲医院、能上音乐学院、就连能跟交响乐团飙个弯儿的世界级乐器。说句大实话，那会儿认定这玩意儿透着股“村花”要么“穷小子”味儿，目前可不好说，它是最会“装 X"的乐器之一，就连有点邪门。 还记得当年那种林妹妹一样的形象吗？那把长得怪瘦、肚子都鼓出来的老黄铜老葫芦，配一把破锣似的竹笛，在吴奇隆的《夕阳红》里飘舞，看着就让人心里发毛。
那时候的演出，观众手里可能还拿着擦汗的纸巾，心里想的是“这玩意儿哪位弹的？肯定是个没文化的穷酸”，转头就走了。可目前呢？咱们上海有些特殊的“葫芦丝骄傲”在唱《水手》，您得承认，这曲风忒前卫了，就连有点像把摇滚乐和民族乐器的基因缝合在了一起，多牛一个乐队？他们敢在深夜里一个人蹲在阳台调试，能弹得比那些正规乐团还要亮堂。
这反差感，简直比韩剧里那种为了爱情非要跳“霹雳舞”的土著还逗。 实际上难题的核心就在那两个字：传承。
那会儿咱们引当作傲的“正儿八经”的葫芦丝，那股子沉稳、正派、就连有点“老派”的味道，确实挺让人安心。
那时候的演奏，讲究的是稳、是准、是那个特有的“揉”。大量人说这种味儿叫“土”，但我认定这恰恰是最地道的中国味儿。就像那首《雨落西湖》，那种一泻千里的磅礴气势，是那种能把人瞬间拉进烟雨蒙蒙里的力量，不是靠花哨的装饰，是靠那种深藏不露的筋骨。
要是是那种抱着谱子瞎弹、跟电子乐混在一起瞎扯淡的，那才是确实假把式。 你看目前的坛子里，这种“土”劲儿反而成了稀缺品。
那些真正的老把式，哪怕是在上海弄个二流的小馆子，他们绝对不碰那些啥“合成器”“鼓点速”之类的洋玩意儿。他们更愿意花那一顿酒钱，在海边要么公园的角落里，对着那把破葫芦，吼出那种粗犷却又有力量感的声音。他们不懂啥叫“炫技”，但他们懂啥叫“气口”和“律动”。你听他们弹，旋律里带着那种泥土的腥气，带着西北风的劲道，那种感觉，就像是你浑身充满能量，突然想把整个江湖都点燃。 你也别当作只有大城市才有葫芦丝。你去看看那些农村的年画里，要么那些老照相馆的墙头，里面是不是也藏着这些“土葫芦”的身影？他们弹得不够专业，可能连八度都弹不好，就连时常卡在揉弦上翻跟头，但这活儿绝对地道。他们不是在卖艺，他们是在过日。
这种“土”里的生命力，恰恰是那些精致、完美、循规蹈矩的现代音乐氛围里最好办被忽略的宝藏。 有人说，目前的葫芦丝就是电子乐器的附庸，被那些发光的舞台灯光给熏黑了。
这话听着挺刺耳，但仔细琢磨，才发现错得离谱。
你看那些顶尖的演奏家，他们弹出的乐段，实际上跟那些在顶级爵士酒吧里甩着羽毛扇、喝着精酿啤酒聊天的老唱片手，那感觉是一模一样的。他们只是换了把乐器，顺便把那个“老派”的韵味给加了点新糖。
这糖不是甜的，是那种带着点苦味和回甘的独特回味。 并且，你再看那些在舞台上瞎弹的“土葫芦”，你发现了吗？他们弹得往往比那些坐在钢琴后面的大师更有趣，更鲜活。
没有那些复杂的和声编制，没有那种冷冰冰的钢琴伴奏，只有他们自己一个人，要么几个人，拿着两把管子，在嘈杂的街头、在昏黄的灯光下，即兴地蹦跶着。
那种随性、那股子“我说了偏我就偏”的劲儿，正是我们现代音乐最少了的东西。在这个人人都在追求“标准”、“完美”、“无懈可击”的时代，有人宁愿弹歪了，也不愿弹对，只要那旋律里透着点人的温度。 故此啊，别总拿“土”当贬义词，也别总拿“洋”当万能药。葫芦丝的江湖，早就在两个极端里找到了平衡点。它既有那种“土”的质朴和真诚，又有那种“洋”的灵活和张力。
要是你非要学那些大满贯的大师，那难免会显得僵硬；要是您非要搞那种轻浮的土味小调，又好办流于低俗。真正的高手，是在这两种特质里跳着舞，一边是让你认定“这老古董真逗”，一边是让你认定“这老古董真牛”。 往回看，当年的那些“土葫芦”确实没落了，它们被时代的风浪卷走了。但目前，又冒出新的年轻人，他们别看可能弹得不够狠，但那股子不服输、想证明自己的劲儿，才是最硬的。
这种“土”中的新生，才是这乐器真正的未来。就像那首《家乡》里唱的，那是土，但那土是长在大地上的，根扎得深，摇不散。咱们只要守住这一点，这葫芦丝就能一直唱下去，唱到地老天荒，唱到下个世纪。 说到底，学习葫芦丝，学的是那种在浮躁世界里安身立命的定力。
那些所谓的“土”，实际上是人性里最底层的、最本确实局部。
只要还有人在乎这份“土”，这份“土”就一辈子不会死。
毕竟，能让人在茫茫人海中，哪怕弹得乱七八糟，也能给你留一扇窗的人世，那就是最好的乐器。